'Los becarios', mona pero sosa

Es probable que cuando te sientas en la butaca después de haber pagado por ver una comedia no esperes desternillarte de risa. Eso sí, lo mínimo que pueden hacer para agradecer tu tiempo y dinero es ofrecerte un producto simpático y hacerte pasar un buen rato. Aunque teniendo en cuenta el nombre de Shawn Levy (Noche en el museo, Doce en casa) figurando como director, tampoco podemos quejarnos mucho si lo que hemos visto no ha sido una comedia ligera, divertida y que volverías a ver.

La idea de Los Becarios  (The internship, 2013) parece original y perfectamente encajable en el marco de una comedia, pero bajo la sombra de los conceptos de éxito y superación personal americanos, es difícil reírse de algo más que de algún chiste tontorrón que bien vale una risa enlatada. Eso sí, qué mejor escenario para el ascenso profesional de Estados Unidos que las instalaciones de Google en California. Hasta allí van unos soñadores y ambiciosos VinceVaughn y Owen Wilson para mostrarnos el proceso de sumersión de un par de cuarentones en el universo geek.

 Y es que de geeks y frikis, eso sí, está plagada la película. Lo único que perdona el transcurso predecible de los acontecimientos y los irritantes –por predecibles, una vez más- giros del argumento son las constantes referencias al universo friki. Los juegos del hambre, el golpe del quidditch como deporte de  empresa, la mención al cosplay y el final de la “khaleesi” con su “sol y estrellas” pueden provocar ternura y convertirla en simpática y familiar, pero no la salvan de ser un poco falsa y demasiado larga.

Sobra charla motivacional y falta un poco de ironía o un humor que vaya más allá del “me río de ti porque eres viejo”.  Se disfruta más observando los cachivaches y el funcionamiento de Google que del verdadero argumento de la película, y probablemente sea eso lo que la haga tan larga. El grupito de becarios, un poco estereotipado pero adorable al final. La conclusión a la que nos hace llegar Levy con este grupillo es, en definitiva, que un chupito de tequila puede cambiar tu vida.

Tampoco es que deje mal sabor de boca, solo es una más en el montón de “lo intentan pero no lo consiguen” que últimamente engrosa la comedia norteamericana. Lo mejor, el gorro de colores con hélice y Rose Byrne.

por Alicia Ibáñez

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Monstruos University. Así sí.

Llega a nuestras pantallas Monstruos University, doce años después del estreno de Monstruos S.A (Monsters Inc, 2001). Al tratarse de un clásico de Disney/Pixar, las expectativas ante esta nueva película son elevadas, aunque los espectadores, acostumbrados a segundas partes sin sentido y -en ocasiones- desastrosas, también acogen este nuevo estreno con cierta cautela.

El gran acierto de esta película se encuentra en que no se trata de una secuela, sino una precuela. Esto les permite presentar a estos dos personajes tan conocidos por el público como Mike y Sully, y mostrarlos con diferentes matices, como si aún estuvieran sin terminar, para guiarlos maravillosamente en el camino hacia la madurez.

La sinopsis de Monstruos University es muy sencilla:  nos muestra a un ilusionado Mike Wazowski llegando a la universidad para cumplir su sueño: convertirse en asustador. Sully, por otro lado, proviene de una famosa familia de asustadores y sabe, sin duda alguna, que es un asustador nato. Pero no todo sale como se imaginan y pronto encontrarán dificultades en el campus. Así se define el comienzo, pero la película es mucho más (y mejor).

El absoluto protagonista de esta precuela es Mike Wazowski. El espectador ve el mundo a través de sus ojos y asiste a una infancia de marginado e incomprendido. Así, somos testigos de cómo su deseo de ser asustador nace de un simple gesto de apoyo. Como consecuencia, desde el primer minuto estamos enganchados a él y nos ponemos de su lado automáticamente, deseando que pueda cumplir su sueño (¡como si no lo supiéramos ya!). Y ahí está lo crucial de esta cinta, que consigue que en algunos momentos nos olvidemos por completo de Monstruos S.A, lo que yo considero toda una hazaña.

Cuando James P. Sullivan (Sully) entra en escena es evidente que él y Mike no hacen buenas migas. Como seguimos viendo todo desde el punto de vista de Mike, Sully nos parece creído, niño de papá y gandul, lo que choca fuertemente con nuestra concepción de él, pues lo teníamos hasta ahora como un bonachón. Conforme la película avanza, se presentan complicaciones y, lo que nació como rivalidad, tiene que convertirse, a la fuerza, en compañerismo. Este es otro de los puntos que me encanta de esta película: Mike y Sully nunca hubieran sido amigos de no darse estas circunstancias exactas, de no haberse visto obligados a aprender a complementarse.

Mike, con su optimismo ciego, parece capaz de conseguir lo que se propone, pero ¿es realmente así? Con trabajo y esfuerzo, ¿se puede hacer todo realidad? Estas son algunas de las preguntas que se plantean y no puedo más que adorar lo que esta película muestra en respuesta. Sully, por otra parte, se siente muy presionado por su familia y se cuestiona sus capacidades, se pregunta si estará a la altura. Conforme pasan los minutos, notamos cómo se cimienta una relación que, ante todo, es creíble. Es otra película que muestra lo que Pixar sabe reflejar mejor que nadie: la amistad verdadera. 

La primera vez que la decana Hardscrabble aparece en pantalla no podemos más que temerla, pues parece una maldita cucaracha voladora. Su porte recto y sus evidentes signos de superioridad nos advierten desde el primer momento de que nos encontramos ante la villana de la cinta y, a mi parecer, uno de los puntos flojos de esta película. Una de las claves para dibujar bien la figura de un villano son sus motivaciones, y yo no llegué a entender por qué odiaba tanto esta señora a nuestros dos protagonistas. Se sostiene por una crueldad y una manía infantil que contrastan con su imagen seria y correcta en todo momento. Su resolución final me pareció aceptable pero contradictoria.

Como conclusión, esta película es una digna precuela de Monstruos S.A, que te mantiene entretenido y disfrutando de principio a fin. Las taquillas del final son un regalo que te deja una sonrisa bobalicona en el rostro.

-Lo mejor: Las Sustolimpiadas. Todas las pruebas me parecieron muy originales y la competición me mantuvo en tensión y me hizo sudar con Mike y Sully.

-Lo peor: Los integrantes de Oozma Kappa no son tan graciosos como se pretende. Hay momentos en los que consiguen hacerte reír, pero se nota que han sido creados para ser el punto cómico fuerte de la cinta y no logran serlo.

-Mención especial: La aparición de Randall. Así es como se crean los grandes villanos.

 Por Rocío de la Fuente

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Antes del anochecer, un inolvidable punto y final

Jesse y Celine, después de tres películas—y casi veinte años—paseando por Europa mientras divagan sobre el funcionamiento del mundo y el concepto que tienen del amor y las relaciones de pareja, han conseguido el reconocimiento del público y la crítica, y se han erigido por derecho propio como un estandarte de la comedia romántica moderna. Si el encanto de Antes del amanecer era ser una historia de amor entre dos personas que no creían en él, o al menos no de la manera en que lo hace la sociedad occidental, la virtud de sus dos secuelas ha sido añadir a la fórmula unas cuantas dosis de realismo, sin dejar de ser completamente coherente con lo contado anteriormente.

Y Antes del anochecer (Before Midnight, 2013), una tercera parte de la que hasta hace muy poco no sabíamos ni si se rodaría, ha resultado ser un cierre perfecto. Tanto es así que las dos películas anteriores parecían encaminadas a contar lo que vemos en esta. Ethan Hawke y Julie Delpy han dado vida a dos personajes que han ido madurando (envidio a los espectadores que lo hayan hecho al mismo tiempo) en una trilogía que no estaba destinada a ser un éxito descomunal, pero sí a marcar a los espectadores que conectaban con la historia.

No se puede contar demasiado de ella, porque dar detalles de la trama sería destripar el final de Antes del atardecer, pero es impresionante ver cómo Celine y Jesse han cambiado con el tiempo y en esencia siguen siendo los mismos. Dada la situación, uno podría no creerse que los diálogos entre ellos dos sigan siendo una sucesión de monólogos existenciales como en sus dos primeros encuentros, pero si por algo ha destacado siempre esta saga es por la naturalidad con la que despliega toda esa verborrea. Por eso, por la conexión entre los dos personajes y porque por tercera vez han sido capaces de contarnos lo que ha sido de ellos todo este tiempo en menos de dos horas y sin que quede ningún cabo suelto.

Julie Delpy está tan bien como en la segunda película—donde ya exhibía muchos registros—mientras que Ethan Hawke realiza la que hasta ahora debe ser su interpretación más completa. Resulta curioso además que en cierto modo los protagonistas se intercambien los papeles en Antes del anochecer, pues Jesse es a ratos el que de los dos tiene más los pies en el suelo, aunque se trata en general de la cinta menos idealista de la trilogía. Son situaciones perfectamente reconocibles y reales las que vemos en el último trabajo de Richard Linklater, lo que hace que sea algo más dura que sus predecesoras.

Como elemento novedoso, esta vez tenemos algunos personajes secundarios que si bien no tienen demasiado protagonismo—como es lógico—contribuyen a crear una escena coral brillante. Las virtudes que encontramos en las conversaciones entre Jessie y Celine pero esta vez a ocho bandas. Un diálogo que atrapa y se manifiesta como uno de los puntos álgidos del metraje de este cierre. Antes del anochecer es sin duda la mejor película que hemos visto hasta ahora en 2013 (un año en el que, de todas formas, sólo han destacado Efectos secundarios y Stoker). Linklater vuelve a merecerse un aplauso, y no solo por el guión, sino por una dirección elegante que saca el máximo partido a una historia tan intimista.

por Diego Martínez

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Un invierno en la playa, la fórmula del best-seller

“Recuerdo que solo mirarla me dolía”, comenta la voz en off de Rusty (Nat Wolff) nada más empezar Un invierno en la playa (Stuck in Love, 2012). Más adelante, William (Greg Kinnear), su padre, le dirá que es un gran comienzo para una novela, que tiene gancho. Y puede que se trate de una frase de la que hemos oído ya mil variantes en cualquier libro, sin que sea necesariamente bueno, pero no podemos quitarle la razón. Stephen King –con un pequeño cameo en la cinta–, Dan Brown, J.K. Rowling o Stephenie Meyer no tendrán el mismo talento para la literatura, pero coinciden en un aspecto: saben lo que quiere el público y se lo ofrecen. Muchos pondrán en tela de juicio la calidad de sus obras, pero no se puede negar que han dado con la fórmula del éxito (algo que en la actualidad pocos autores consiguen).

Un invierno en la playa tiene, al igual que las novelas de los susodichos y que la frase con la que arranca, todos los ingredientes para agradar al público: toques de comedia, melodrama y el punto suficiente de amargura en los conflictos como para que no resulte empalagosa. La película nos presenta a los Borgens, una familia de escritores. El padre, William, ha ganado varios premios y desde que eran pequeños ha tratado de inculcar a sus hijos la pasión por la escritura. Con mucho éxito, pues tanto Rusty como Samantha (Lily Collins) se dedican a escribir como él, y la segunda está a punto de publicar su primera novela cuando comienza la trama. Erica (Jennifer Connelly), la madre de éstos, dejó hace unos años a William por otro hombre, y él no ha podido superarlo desde entonces, más allá de un par de encuentros sexuales con la vecina (Kristen Bell).

El reparto, que completan Logan Lerman y Liana Liberato como Lou y Kate, los intereses románticos de los hijos de los Borgens, está más que correcto. Destacaría a una sorprendente Lily Collins, pero hasta secundarios de menos peso como Lerman y Bell están bien. Como en todo drama familiar, los personajes deben tener personalidades suficientemente distintas como para chocar, pero al mismo tiempo dar el pego como gente de la misma sangre. En este sentido, Josh Boone acierta en su ópera prima, dibujando a unos personajes que, aunque no son el colmo de la originalidad ni se enfrentan a conflictos especialmente novedosos, tampoco se limitan a representar estereotipos y son verosímiles.

Es la falta de originalidad el principal punto flaco de Un invierno en la playa, que como los buenos best-sellers se disfrutan rápido y se olvidan casi a la misma velocidad. Boone tiene buen pulso manejando las historias, que se suceden a un buen ritmo, y los personajes se entrecruzan de manera muy orgánica, pero a la hora de la verdad resulta decepcionante que todas y cada una de las tramas acaben como estaba previsto al principio y que la puesta en escena sea correcta pero en absoluto novedosa. No experimenta con la cámara ni abusa de los giros, y el resultado final es una película disfrutable (con unos personajes con los que se conecta fácilmente) pero de ningún modo imprescindible.

por Diego Martínez

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El Hombre de Acero, una de cal y otra de arena

Un superhéroe emo, enfrascado en sí mismo y con problemas para relacionarse con los demás. Eso era lo que esperaba cualquiera con un mínimo de conocimiento sobre el universo de Superman, susceptibles a la visión - otra vez- del origen de uno de los personajes más famosos de DC. Pero que, ya sea por las malas críticas, las bajas expectativas o la visión de Henry Cavill, ha conseguido entusiasmarme.

Es uno de los blockbuster más esperados del verano, su promoción ha alcantazo las expectativas de las grandes producciones y se ha intentado borrar - gracias a Dios - la estela de decepción que dejó "Superman: Returns" (Bryan Signer, 2006), para dejar paso a toda la acción de la que careció ese proyecto.

Pero eso no parece entusiasmar a los fans, que ven el intento de proyectar realismo como algo fallido, "si no lleva los calzoncillos por fuera, no es Superman" dijeron algunos. Y es que, dejado a un lado la indumentaria,  algunas alusiones y el hecho de que el nombre del héroe apenas sea mecionado en el film hace que nos quedemos con la sensación de que han querido desligarse por completo de las anteriores: Lois Lane no se deja engañar y reconoce a Clark Kent con gafas y no hay sitio para la banda sonora de John Williams que, a pesar de ser maravillosa, es la clave para desligarse y no defrauda.

Menos Jor-El y más Zod

Menospreciar al malo y ensalzar al bueno, esa es una de las técnicas más usadas en el mundo del cine. Pero la fórmula padre de Superman benévolente/supercientífico/gladiador es uno de los fallos más destacables para mi gusto, su visión altruista choca con las otras características del personaje y el chupe de cámara de Russel Crowe (soy una conciencia con mucho sentimiento) me parece una périda de tiempo y gancho, que no aprovechan para direccionar a Zod (Michael Shannon), que debería ser el verdadero protagonista ecundario y que solo sirve como escenario para explicar los sentimientos de Clark Kent, preentándolo como un militar egoísta, estúpido y fácil de derrotar en lugar del supervillano que deja a Lex Luthor como una pequeña molestia en comparación.

Lois y Clark

Uno de los grandes miedos era que Amy Adams y Henry Cavill no fueran capaces de dar la talla o tener química entre ellos, no teníamos por qué. Amy Adams es una Lois inmejorable que hace lo imposible en el mundo del cine, que un personaje en el papel de un periodista pueda caerte bien. Por otro lado, Henry Cavill ha nacido para eso, su relativa seriedad y su no tan relativa belleza han provocado suspiros entre hombres, mujeres, niños y yo y lo han hecho proclamarse como un icono con todas las de la ley.

Un guión facilón y típico, la despedida cogida con pinzas de Jonathan Kent y la excesiva destrucción de Metrópolis son las mayores críticas que se han  hecho al film, que te dejan claro que es un blockbuster molón y no una sucesora con otro nombre de "El Caballero Oscuro" y que te deja con el sabor de que lo que has visto es un puente hacia lo que verdaderamente necesitaban: buena recaudación para conseguir la secuela donde, esperemos, puedan hacerla mejor.

Por Irene González

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Favoritas Personales: El bosque

M. Night Shyamalan acaba de estrenar en España After Earth, con el pesado de Will Smith y su hijo. Ahora se ha convertido en un director popular, capaz de convencer a un gran estudio para que invierta 130 millones en producirle una cinta (ya consiguió 150 con Airbender). No pretendemos aquí despreciar lo mainstream, pero es inevitable la sensación de que a Shyamalan le ha sentado muy mal tener tanto presupuesto. Con dinero, puede dar rienda suelta a los universos que imagina, exhibiendo una grandilocuencia inédita antes de sus dos últimas películas. Atrás queda el gore barato—rozando lo cutre—de El incidente, el encanto de la pequeña comunidad de vecinos de La joven del agua o el miedo que transmite El bosque (The Village, 2004), la película que nos ocupa, a base de sonidos y recurriendo rara vez a mostrar nada. Sin embargo, sumido en la libertad creativa de recrear universos enteros, se ha olvidado de lo más importante, y lo que hacía valiosos sus relatos anteriores: las motivaciones de los personajes.

El bosque tiene en común con otra de sus películas, El sexto sentido, que ambas recaen en un giro final que cambia el sentido de todo lo visto. Y, sin embargo, ambas tienen en común también que no pierden su efectividad con los revisionados. El bosque no es una película de terror—como se vendió en su momento, algo que influyó en su tibia recepción—pero tiene un par de momentos que, al menos a mí que soy un cobarde, me dan verdadero miedo. Obviamente, en ese aspecto no sobrevive a un segundo vistazo, pero lo que permanece en ella es muchísimo más interesante. Acusada de aburrida por un público que iba buscando entretenimiento, sufrió la condena de querer contar algo más. Y si El sexto sentido sigue siendo un buen drama familiar aunque tengamos todas las piezas del puzle desde el minuto uno, El bosque sigue siendo, por un lado, un gran drama romántico (gracias al buen hacer de Bryce Dallas Howard y Joaquin Phoenix) y, por otro, una gran historia sobre la manipulación y las herramientas que se pueden utilizar para controlar a un grupo de personas.

No diría que se trate, en realidad, de una película aburrida. Al contrario, los personajes te atrapan desde el primer momento y los secretos que muchos de ellos ocultan generan casi más intriga que la amenaza que se esconde en el bosque. Esto solo es posible gracias a un guión excelente, en el que personajes que son meros instrumentos para la historia están cuidados al detalle. Shyamalan los dota a todos y cada uno de ellos de personalidad tridimensional. Aunque la verdadera protagonista de la historia es Ivy (Dallas Howard), una chica ciega que vive obligada a cumplir la voluntad de su severo padre, durante el primer tramo de la película el protagonismo recae en Lucius, el chico que está enamorado de ella, y pocos actores transmiten con tanta facilidad la fragilidad, el dolor y la frustración como Joaquin Phoenix. También hay que alabar a Adrien Brody—que no haya sabido aprovechar su Oscar no significa que no sea uno de los mejores actores de su generación—por su interpretación. Su personaje es simplemente el motor del conflicto en la trama y su interpretación lo eleva mucho más allá a pesar de que aparezca muy poco a lo largo de la película.

Pese a que sobre el papel El bosque es la historia de una aldea que vive aterrorizada por las criaturas que habitan en el bosque que la rodea, a la hora de la verdad se convierte en la historia de estos tres personajes, y cómo con sus condiciones físicas y mentales se desenvuelven en un entorno que hace las cosas más difíciles si cabe. Y, cuando la gran revelación sale a la luz, lo que podría haber sido “solo” una reflexión brillante sobre el funcionamiento de la sociedad, se convierte en algo que nos cabrea, nos alivia y también nos da ganas de aplaudir (mientras el guión aún se reserva un par de giros más para la recta final).

Por eso da tanta pena ver en lo que se ha convertido la carrera de Shyamalan últimamente, y por eso tampoco hay que perder la esperanza de que un día volverá a escribir una obra maestra como esta. La gente puede estar más o menos inspirada, pero no se vuelve idiota de un día para otro, y Hollywood ha demostrado que a pesar de sus tropiezos, siempre tiene un hueco reservado para él.

por Diego Martínez

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Especial Star Trek: En la oscuridad – J.J. Abrams

A pesar de su ya más que respetable trayectoria en cine, a J.J. Abrams se le sigue conociendo más por su faceta de creador televisivo que por otra cosa. Su nombre, para bien y para mal, estará eternamente asociado a Perdidos (Lost, 2004–2010), lo que por un lado le ha permitido que las cadenas de televisión norteamericanas se rifen sus producciones y todos los años se estrenen dos o tres proyectos con su nombre detrás, y por otro provoca recelos entre el público porque ésta no acabó a gusto de todo el mundo. Sea como sea, lo cierto es que acabada la primera temporada de Perdidos, J.J. Abrams se desvinculó de los guiones y, aunque seguía acreditado como creador, el devenir de la serie estuvo en manos de Damon Lindelof (uno de los responsables del guión de Prometheus) y Carlton Cuse (que ahora trabaja en la serie Bates Motel). El propio J.J. reconoció en una entrevista que no sabía cómo acabaría la serie hasta que no vio el último episodio.

Y sí, en televisión ha sido el responsable de otras muchas cosas. Fue el showrunner de Felicity (1998–2002), la serie que narraba las vivencias universitarias de la chica que le daba nombre. Curiosamente fue en esta serie en la que más involucrado estuvo en la escritura de guiones, y es una de sus pocas producciones sin ningún componente de ciencia ficción. También creó Alias (2001–2006), la serie de espías que dio a conocer a Jennifer Gardner. Y, tras Perdidos, puso en marcha Fringe (2008–2013), esa joya de ciencia ficción que tuvo temporadas verdaderamente brillantes y que sobrevivió milagrosamente hasta enero de este año. De ésta, al igual que hizo con Perdidos, participó a nivel creativo hasta el final de la primera temporada para después ejercer solamente como productor.

Sin embargo, la marca J.J. en televisión está bastante devaluada. Produce muchas series de las que probablemente no haya visto ni un solo episodio, como Vigilados: Person of Interest o Revolution, y otros fracasos como Alcatraz o Undercovers que no pasaron de su encargo inicial de trece episodios. Como apunte, Abrams también ha hecho incursiones en el mundo de la composición, y es el responsable de los temas principales de las cabeceras de Fringe, Vigilados: Person of Interest, Revolution, Alcatraz, Alias y Felicity.

Sus pinitos en la dirección los hizo también en televisión: dirigió el piloto de Perdidos, un par de episodios de Felicity, varios de Alias y sorprendentemente también uno de The Office. El salto a la gran pantalla lo dio en 2006 con Misión Imposible: III, una cinta que revitalizó la saga protagonizada por Tom Cruise después de que la segunda fuese destrozada por la crítica. Más tarde, participó activamente en Monstruoso (Cloverfield, 2008) junto a Matt Reeves –con quien ya trabajó en Felicity–, pero la película acabó considerándose un experimento fallido y contribuyó a empobrecer el sello de calidad de J.J. Personalmente, confieso que me parece una película muy interesante y más que digna, que en su momento me fascinó. Con el paso de los años, el recurso del found footage ha sido explotado hasta la saciedad, pero Monstruoso llegó en un momento en que no estábamos hartos de él.

Por suerte, llegó Star Trek y la crítica volvió a ponerse de su lado. Con este reboot de la franquicia consiguió algo muy complicado: contentar a los seguidores de la saga original y atraer a nuevos espectadores, que abrazaron un blockbuster entretenido y de calidad, convirtiéndolo en un éxito de taquilla (moderado, teniendo en cuenta su presupuesto y los gastos de promoción). Star Trek era todo un despliegue visual, pero no limitaba su gancho a los efectos especiales, sino que estaba protagonizado por unos personajes genuínamente interesantes (Zachary Quinto y Chris Pine fueron todo un acierto de casting). Trekkies o no, el gran público (español, que inexplicable nos ha llegado con dos mese de retraso) está esperando una secuela que se ha hecho esperar bastante.

En todo este tiempo, Abrams no ha estado quieto. Aparte de la producción televisiva, en 2011 fue el responsable de una de las películas del verano. Super 8, producida por Steven Spielberg, llegaba con mucho hype detrás y supo cumplir las expectativas. Abrams utilizaba esta película para homenajear al director, y recuperaba una fórmula de hacer cine familiar –con reminiscencias a E.T. o Los Goonies– de décadas pasadas que había quedado casi desterrada. Super 8 se disfruta como un niño, es absorbente, tiene un ritmo espectacular y además nos descubrió el magnetismo de Elle Fanning, una joven actriz que tiene todavía mucho que decir.

Por eso, en un verano plagado de decepciones como Oblivion o El hombre de acero, películas que a priori pintan bien pero que pueden salir rana como Guerra Mundial Z y Elysium, la nueva Star Trek se presenta como un valor seguro (y el 72 de media en Metacritic la avala). Sabiendo esto y que J.J. Abrams dirigirá el Episodio VII de Star Wars, ya casi podemos afirmar con seguridad que va camino de convertirse en uno de los directores más importantes de Hollywood. Cómo va a responder el gran público a la ciencia ficción es incierto (y si no que se lo digan a Shyamalan), pero si algo ha sabido Abrams es elegir bien sus proyectos y llevarlos a buen puerto.

por Diego Martínez

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Jim Carrey no hará promoción de Kikck-Ass 2

Después de leer los comics de Mark Millar o de ver la primera parte "Kick-Ass: Listo para machacar", a todo el mundo le queda claro por donde van los tiros. Menos a Jim Carrey, que ha decidido no hacer promoción de la película por su alto conenido en violencia.

Pero la posición de Carrey tiene un motivo. Y es que, mediante declaraciones en twitter @jimcarrey , ha mostrado su inquietud por como afectan las muertes gratuitas de la secuela tras los altercados en Sandy Hook. No se siente avergonzado por la película, que terminó de rodarse un mes antes del tiroteo, y pide disculpas a todos los involucrados en el film por sus declaraciones, pero señala que ha cambiado de idea respecto a promocionarla.

El productor ejectivo de la película y creador del comic Mark Millar no ha tardado en contestar a Carrey y a sus fans através de su blog: " Estoy desconcertado por este anuncio repentino. No hay nada en el film que no estuviera en el guión hace dieciocho meses. Si el número de cadaveres es elevado, pero es que una película que se llama Kick-Ass 2, debe hacer lo que pone en el cartel.En una sécuela del film que nos presento a Hit-Girl, siempre va a haber sangre en el suelo y eso no debería impresionar a quienes les haya gustado la anterior...Se trata de ficción y como Tarantino, Peckinpah,Scorscese, Eastwood, Jhon Boorman, Oliver Stone o Chan-Wook Park Kick-Ass evita la tan común utilización de cadaveres sin sangre, de la mayoria de películas veraniegas, y se centra en las CONSECUENCIAS de la violencia... nuestro trabajo como narradores es entretener y nuestras herramientas no pueden ser saboteadas, reduciendo el uso de armas en una película de acción".

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Tráiler y fecha de estreno de 'Jobs'

"Para los inadaptados. Para los rebeldes." Con ese objetivo crea la empresa Apple un joven y desgarbado universitario Ashton Kutcher. En la piel de Steve Jobs, el actor americano nos disipa de dudas en este primer tráiler de la película Jobs, un esperado biopic sobre la vida del fundador de Apple. Desde sus más iniciales aspiraciones universitarias hasta el momento en que se ve obligado a abandonar su empresa, el vídeo desvela el hilo que seguirá la cinta, que a simple vista enfoca más la línea personal de Jobs y su papel en la empresa que lo llevó a la fama, todo bajo un halo revolucionario y un innegable espíritu joven: "Porque la gente que está lo suficientemente loca para creer que puede cambiar el mundo es la que lo consigue".

Aunque todavía no hay fecha de estreno para España, Jobs llegará a la gran pantalla estadounidense el próximo 16 de agosto.

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Placeres culpables: Deep Blue Sea

Cuando decimos que vamos a hablar de "Deep Blue Sea" no nos referimos a esa joyita en la que podemos ver a Tom Hiddleston fuera de la capa de Loki, si no a la obra maestra del cine de terror y ciencia ficción que puso a Samuel L. Jackson en la lista de los actores con menos criterio del sector y, a la vez, en mi ranking de personas más grandes.

"Utilizando tiburones Mako, una de las máquinas de matar más rápidas y perfectas de la naturaleza, la doctora McAlester espera encontrar la clave de la regeneración de los tejidos del cerebro humano. Pero para alcanzar su meta ha violado los códigos éticos, modificando el ADN de los tiburones, haciendo que sean más inteligentes y más rápidos, convirtiéndolos en monstruos depredadores que pondrán en peligro a todo el equipo de trabajo."

A escribir esto no pretendo ensalzarla ni decir de ella más de lo que tiene. Pero tener, tiene algo, algo que te hace que decidas dejarla esos domingo por la tarde cuando la ponen a la vez que "La mano que mece la cuna" o cualquier telefilm random. 

Debes partir del hecho de que es un película sobre super tiburones inteligentes que deciden luchar contra la mejor creación de Dios: El Hombre. Con esa premisa uno debe ver la película con la mente abierta, sin importar que su director solo haya sido nominado a premios Razzie y con ganas de pasar un domingo normlaito. Pretendían hacer sombra a los diálogos flojos y a la falta de carisma de (casi) todos los personajes con la utilización de adelantos digitales (algo así como "Avatar"), sin lograr mucho más que hacer que parezca muchísimo más forzada de lo que es.

Todo no son peros, porque si no no estaría en esta sección. Podrías pensar que la participación estrella de Samuel L. Jackson puede salvarlo todo, pues a veces salva algo. Sus actuación se ve forzada y no sabe ubicarse en el papel. Pero como hemos quedado en que vamos a verlo con la mentalidad abierta de domingo, finjimos que no nos damos cuenta y esperamos ansiosos a su minuto de gloria, a esa maravillosa escena que lo hace memorable y que consigue eso que "Serpientes en el avión" no consiguió: Que nos riamos y tengamos ganas de ver el final de la película. Un final que pretende ser tan inesperado que desaprovecha el personaje de James Todd Smith (el cocinero) pero que termina de forma maja.

En definitiva, es un placer culpable que consigue sacarte unas risas, que te hace sentir que has perdido bien tu tiempo y, solo para algunos, hace que sea memorable.

    Por Irene González

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Sam Taylor-Johnson se pone al frente de '50 Sombras de Grey'

Si bien es cierto que las noticias de esta producción van llegando con cuentagotas, por fin hoy sabemos quién dirigirá la adaptación de la novela de E. L. James. Después de una semana de rumores y varios nombres sonando para el puesto, finalmente será Sam Taylor-Johnson la encargada de dirigir esta esperada producción. En palabras del propio productor, Michael de Luca (La red Social, American History X), Taylor-Johnson es la más acertada para este puesto por la forma  en que trata las relaciones amorosas y la química sexual en sus obras. La propia protagonista de la noticia ya ha mostrado su alegría y ha asegurado que honrará a los fans de la saga de 50 sombras en esta primera adaptación.

¿Quién es Sam Taylor-Johnson?

La recién estrenada directora de 50 sombras de Grey es una cineasta muy conocida en Reino Unido. Aunque su título más sonado es Nowhere Boy, también ha dirigido, producido y actuado en cortometrajes desde 1996. Ha participado en diversos documentales de la BBC y ha trabajado incluso para productoras estadounidenses. Sin embargo, como ya hemos señado, su primer trabajo como directora de un largometraje le llega con Nowhere Boy, un biopic del archiconocido John Lennon protagonizado por el que es ahora su marido, Aaron Taylor-Johnson. La película narra de una forma más personal, los primeros pasos de Lennon en el mundo de la música con la consecuente oposición de su familia. 

Taylor-Johnson es, además, una fotógrafa acostumbrada a la controversia que provocan algunos de sus trabajos, como filmaciones del futbolista David Bechkam en un plácido sueño o su colección "Crying Men", que mostraba a varios actores de Hollywood llorando (entre ellos Sean Penn, Paul Newman o Robert Downey Jr.). Ha expuesto en el Guggenheim y en la National Portrait Gallery, y recibió una nominación al Premio Turner en 1998.

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Muere James Gandolfini (1961-2013), el emblemático Tony Soprano

A los 51 años, James Gandolfini murió anoche en Italia de un ataque al corazón.

Como protagonista de Los Soprano, la serie de más éxito de la historia de HBO, James Gandolfini creó un icono televisivo y fue el responsable del éxito de una de las series que cambiaría la televisión. Sin Tony Soprano no existirían Dexter Morgan, ni Don Draper, ni Walter White. Probablemente ni siquiera Gregory House.

Y Gandolfini era tan perfecto como Tony Soprano (tres premios Emmy por su interpretación le avalan) que se merece que Hollywood entero esté hoy de luto. DEP.

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Tráiler de "The Spectacular Now", con Shailene Woodley y Miles Teller

Cuando el casi desconocido James Ponsoldt presentó el año pasado en Sundance Tocando Fondo (Smashed), las críticas fueron muy positivas, y permitieron que este drama sobre el alcoholismo protagonizado por Mary Elizabeth Winstead y Aaron Paul alcanzara cierta repercusión. Tras este moderado éxito, The Spectacular Now, la película que estrenará este verano basada en la novela del mismo nombre de Tim Tharp, puede terminar de consolidarle como un director a tener en cuenta.

El guión de esta adaptación corre a cargo de Scott Neustader y Michael H. Webber, responsables de la exitosa (500) días juntos, y estará protagonizada por Shailene Woodley y Miles Teller. Aunque Teller (Rabbit Hole, Project X) es todavía bastante desconocido, Woodley consiguió un gran reconocimiento por su trabajo en Los Descendientes y es la elegida para dar vida a Mary Jane en la segunda parte de The Amazing Spiderman y para protagonizar la adaptación del best-seller The Fault In Our Stars.

The Spectacular Now –que en Sundance ha ganado el Premio del Jurado al mejor reparto– cuenta la historia de Aimee, una adolescente tímida e inadaptada, y de Sutter, un juerguista que se propone realizar un experimento social con ella. Completan el reparto Kyle Chandler, Jennifer Jason Leigh, Brie Larson y Mary Elizabeth Winstead, que repite con el director. A continuación podemos ver el tráiler de la película.

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'Behind the scenes' de El Llanero Solitario

 A poco más de un mes de su estreno en Estados Unidos, Gore Verbinski acaba de comenzar la recta final de promoción de El Llanero Solitario. Hace un par de días nos sorprendían las nuevas e impactantes imágenes de la película en las que se observa desde muy cerca la caracterización de todos los personajes y el diseño de los escenarios. Con una puesta en escena entre el western y lo estrambótico de mezclar a Helena Bonham-Carter con un Johnny Depp protagonista, lo poco que hemos podido ver del film recuerda demasiado, mutatis mutandis, a la predecesora de su equipo, Piratas del Caribe.

Para ir saboreando poco a poco la llegada de la película, esta semana Disney publicaba un pequeño teaser del 'behind the scenes' en el que podemos ver al propio Depp sufriendo un estrepitoso accidente al caerse del caballo. Sin embargo, nuestro protagonista se levanta con una sonrisa y decide echarle la bronca al caballo por su mala conducta. En "The Lone Ranger - The Craft", podemos ver los comentarios del productor Jerry Bruckheimer (Piratas del Caribe, Prince of Persia), su director, Gore Verbinski (Rango, The Ring), y un asustado Armie Hammer que grita desde las alturas.

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Primer tráiler de “El Hobbit: La Desolación de Smaug”

El 13 de Diciembre se entrena en nuestras pantallas, y en las de todo el mundo, la segunda parte de la trilogía “El Hobbit”, dirigida por Peter Jackson. Hasta entonces podemos deleitarnos con el primer trailer que se presentó la semana pasada. Aunque se trate de un teaser trailer, cuenta con dos generosos minutos de duración y es jugoso, como poco. 

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Un reno y un muñeco de nieve protagonizan el primer teaser de "Frozen"

Hasta ahora sólo habíamos podido ver alguna imagen promocional de Frozen: El reino del hielo, la próxima apuesta de Disney en solitario que llegará a las salas en noviembre, pero la compañía ya ha puesto a disposición del público un teaser en el que podemos ver la pelea entre un reno y un muñeco de nieve por la zanahoria que sirve de nariz a este último.

En este fragmento, que recuerda inevitablemente a las desventuras de la ardilla Scrat de Ice Age por conseguir su ansiada bellota, no podemos ver todavía a los protagonistas del film: Anna y Kristof, una joven optimista y un temerario montañero que se unen en la búsqueda de la Reina de las Nieves para que ésta elimine el hechizo que mantiene su mundo congelado.

Aunque en la última década los grandes éxitos de Disney han venido de la mano de Pixar, esta tendencia parece estar cambiando gracias a estrenos como Enredados o Rompe Ralph. Frozen, que como Enredados recuperará el espíritu musical de los clásicos Disney, contará en su versión original con las voces de Kristen Bell (Veronica Mars) y actores de musicales como Jonathan Groff e Idina Menzel. La cinta estará dirigida por Chris Buck (Tarzán, Locos por el surf) y Jennifer Lee.

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Fecha de estreno para The Amazing Spider-Man 3 y 4

La segunda entrega de la araña de los huevos de oro no se ha estrenado y Sony Pictures ya ha anunciado que contaremos con dos entregas más.

Se desconoce si Marc Web, director de las dos primeras películas, participará en las cintas. Pero las fechas se han establecido en el 10 de junio de 2016 y 4 de mayo de 2018 para la tercera y cuarta entrega.

Pese a faltar casi un año para el estreno de la segunda. Jeff Blake, presidente de distribución y mercadotecnia de Sony Pictures, ha sido el encargado de dar a conocer la noticia. Justificando este riesgo con que "Spider-Man es la saga más importante, más exitosa y más amada".

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Nuevo cartel de Riddick

Nos llega el cartel promocional para la Comic Con 2013 de la tercera entrega de la saga Riddick, iniciada en "Pitch Black" y continuada en "Las crónicas de Riddick". Contará, de nuevo con, Vin Diesel como protagonista.

El infame Riddick ha sido dado abandonado a su suerte en un planeta que aparentemente no tiene ningún atisbo de vida. Pero pronto se descubrirá que nada más lejos de lo supuesto. Riddick deberá sobrevivir a unos depredadores que viven en ese páramo y que son más letales que cualquier cosa conocida por los humanos. Para Riddick, la única forma de escapar del planeta será activar una baliza de emergencia que alertará a grupos de mercenarios para que acudan rápidamente al planeta a darle caza.

La primera nave que llega se compone de una nueva raza de mercenarios, más letales y violentos, mientras que la segunda es capitaneada por un tipo que busca a Riddick por razones personales. Mientras el tiempo se acaba, y con una tormenta en la que nadie podrá sobrevivir, lo cazadores no abandonarán el planeta sin la cabeza de Riddick en sus manos… esa es su prioridad.

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Loki no aparecerá en Los Vengadores 2

Entre las escasas noticias que nos llegan de Los Vengadores 2 se ha colado una bomba, lanzada por parte de su director y guionista Joss Whedon: Loki no aparecerá en la secuela.

Lo ha dejado caer en una entrevista a la revista Empire, al contestar si contaremos con otro enfrentamiento entre Hulk y Loki, tan bien acogido por los fans, a lo que el director aclaró que “Todo el mundo espera algo así, pero imitar lo que hicimos antes es la manera más segura de equivocarnos. En segundo lugar, Loki no estará allí para poder decir cosas terribles”.

Esto es algo realmente inesperado ya que Tom Hiddleston, Loki en "Los Vengadores" y "Thor", tiene un contrato para actuar en ese papel en un total de cinco películas. Por lo que todo el mundo esperaba encontrarlo de nuevo en la secuela. Mientras tanto, podemos esperar verlo en "Thor: El Mundo Oscuro" el 31 de octubre.

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"The Wolf Of Wall Street", lo nuevo de Scorsese, ya tiene tráiler

La nueva película de Martin Scorsese (La invención de Hugo, Uno de los nuestros, Taxi Driver) no se va a hacer esperar mucho más, y llegará a la gran pantalla a finales de año. El 5 de diciembre es la fecha programada para su estreno en nuestro país, y ya podemos ver el primer tráiler de esta cinta, basada en la autobiografía del corredor de bolsa Jordan Belfort, al que dará vida Leonardo DiCaprio.

The Wolf Of Wall Street será, si DiCaprio finalmente se toma un descanso como aseguró que haría, el último trabajo de éste antes de su retirada temporal. El actor, al que hace poco hemos visto en El Gran Gatsby de Baz Luhrmann, encabeza un reparto de caras muy conocidas entre las que destacan Jonah Hill (Moneyball), Matthew McConaughey (Magic Mike) y el penúltimo ganador del Oscar Jean Dujardin, en el que será su primer trabajo en Hollywood desde entonces. También encontramos por ahí a Kyle Chandler, que tras el final de Friday Night Lights no ha parado de aparecer en cintas importantes (Super 8, Argo, Zero Dark Thirty), aunque por lo general con personajes de poco peso. Veremos si la película de Scorsese supone su trampolín definitivo.

El guionista de The Wolf Of Wall Street, Terrence Winter, ha trabajado sobre todo escribiendo guiones para las aclamadas series de televisión Boardwalk Empire --que produce el propio Scorsese-- y Los Soprano. Con estos nombres detrás, el proyecto no sólo es garantía de calidad, sino que apunta hacia los próximos premios Oscar, ya que además se estrena en plena temporada de premios en Estados Unidos.

Fuente: Deadline

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"Un amigo para Frank", simpatía de manual

En 2012 se estrenaron en nuestro país un par de películas sin demasiadas pretensiones que lograban, por unos u otros motivos, conectar con el espectador y convertirse en inolvidables. Intocable (Oliver Nakache y Eric Toledano, 2011) resultó ser la película francesa más taquillera de la historia en España, y funcionaba porque la química entre los dos actores (François Cluzet y Omar Sy) era auténtica y sus personajes, aunque estaban escritos para caernos bien, no eran simpáticos de manera obvia. Las sesiones (Ben Lewin, 2012) se estrenó en Sundance y aun así logro trascender y colar a Helen Hunt y John Hawkes en las candidaturas de premios importantes, pues los personajes de ambos suponían un riesgo interpretativo y la cinta no renunciaba a mostrar escenas incómodas por miedo a desagradar al gran público.

Con estos dos antecedentes, cuando oí de la existencia de Un amigo para Frank (Robot & Frank), una pequeña película que había ganado el Premio del Público en el festival de Sitges, supuse que los tiros irían por ahí, y que sin ser una revelación cinematográfica estaríamos al menos ante una película muy simpática con buenas interpretaciones. Sin embargo, no podía estar más equivocado.

Al fin y al cabo, las historias de Intocable y Las sesiones no solo relataban una amistad, sino que tocaban otros temas (discapacidad, desigualdades sociales, racismo), y aunque pudiera parecer que Un amigo para Frank iba a adentrarse en tópicos como la identidad de las máquinas o hasta qué punto éstas pueden suplantar a otro ser humano –un tema que se ha tocado infinidad de veces pero que casi siempre funciona–, lo cierto es que no lo hace. El robot de esta película “futurista” no es más que eso, un robot. Una inteligencia artificial programada para realizar una serie de tareas, eliminando así un enorme abanico de posibilidades.

De esta manera, Un amigo para Frank se convierte en uno de tantos relatos sobre la crueldad y la amargura de la vejez, y aunque Frank Langella está más que correcto en su interpretación, la cinta se queda bastante corta en este aspecto en su lucha por ser siempre agradable. Al no ser el robot un ser vivo, la “amistad” que el título español nos vende no es tal, y la dinámica entre éste y Frank deja de ser divertida a los 15 minutos. Ese es el peor de los defectos de la película, que no es entretenida y que, además, los conflictos que se desatan a diez minutos del final se ven venir casi desde el principio de la película (el mismo guión lo anticipa a través de los diálogos).

Si hay algo rescatable en la película de Jake Schreier, un director novel que se presenta con una puesta en escena convencional a más no poder, es la subtrama de la biblioteca. La inutilidad de un edificio que albergue libros cuando existen las bases de datos que almacenan el texto en formato digital es la trama mejor llevada de la película, aunque también se quede un poco a medias. Además, es Susan Sarandon la encargada de dar vida a la bibliotecaria, y la relación de ésta con Frank es bastante más interesante que la de él con su robot. Esta subtrama será, además, la única que tenga un giro medianamente sorprendente de cara al final.

Sin embargo, esta historia de un anciano cuyos hijos dejan al cuidado de un robot es bastante prescindible y en ningún momento da la sensación de que esté aportando nada nuevo. El tedio con el que transcurre la trama contrasta con un final apresurado; demasiado, en realidad, pues impide cualquier tipo de emoción por parte del espectador, que ve cómo los momentos pretendidamente emotivos pasan ante sus ojos sin tener tiempo para asimilarlos. Y que una película con tan pocas pretensiones como Un amigo para Frank sea decepcionante es bastante triste.

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"Only God Forgives" lanza un nuevo tráiler

Only God Forgives no se estrena hasta el próximo 19 de julio en Estados Unidos, y por desgracia aún no tenemos fecha de estreno en España. Sin embargo, el nuevo trabajo de Nicolas Winding Refn con Ryan Gosling tras Drive (2011) ha presentado un nuevo tráiler comercial.

Aunque la película tuvo una recepción bastante fría en Cannes (su nota media en Metacritic es de 48/100 y tiene sólo un 28% de críticas positivas en Rotten Tomatoes), el tráiler no deja de ser prometedor para todos aquellos que disfrutaron con la última película de Winding Refn y como mínimo nos asegura una factura visual impresionante. A Ryan Gosling se le unen en esta ocasión Kristin Scott Thomas –cuya interpretación sí ha recibido críticas muy positivas–, Tom Burke –al que hemos podido ver en la serie británica The Hour– y el tailandés Vithaya Pansringarm, que interpretará a su némesis en esta película.

Drive recaudó más de tres millones de euros en España y el boca oreja la ha convertido en una película de culto contemporánea, por lo que la fecha de estreno en España no debería hacerse esperar.

Fuente: /Film

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